发布时间：2016-06-13 新闻来源：观堂
郑起妙 1934年出生于福建永春，1955年毕业于鹭潮美术学校，师从杨夏林、张晓寒、李其铮。1960年毕业于上海戏剧学院舞美系，师从颜文樑、闵希文教授，留校任教，曾为**歌剧舞剧院、上海电影演员剧团作舞美设计。
现为福州大学厦门工艺美术学院教授，中国美协会员，中国水彩画会理事，全国首届小幅水彩画展评委，福建省水彩画会顾问、厦门市水彩画会会长、厦门市张晓寒美术研究会顾问。
作品多次入选全国美展，1986年以来在香港大会堂等地举办个人画展。参加刘海粟美术馆中国水彩画名家作品邀请展、全国老水彩画家经典作品邀请展、2015年作品入选中国美术馆百年华彩——中国水彩艺术研究展。代表作品和传略载入《中国水彩画史》、《中国现代美术全集》、《中国当代美术图鉴1979-1999》、《中国百年水彩画集》、《东方水彩三百年》。作品为《美术》、《中国水彩》、《美术报》、《文汇报》、《大公报》等刊登。出版《中国水彩画家·郑起妙》、《水彩画家·美术教育家郑起妙》等个人画集，部分作品为中外机构及私人收藏。
笔者在郑起妙先生画室采访
相对来说，水彩画似乎属于不是那么主流的画种，您为何会一直坚持用水彩作为表达的工具？
应该说水彩在国外特别是英国其实是很普及的，也是一种很专业的画种。小孩子从幼儿园开始涂鸦画画就是用水彩，几乎家家户户都会将水彩画作为室内的装饰，在这个领域也出了很多大师。
水彩是我一直所钟情的，一方面是我自己的兴趣，另一方面也是因为教学上的需要，在艺校任教期间，从基础课程到工业设计、环艺设计等专业课程，都涉及到水彩。
改革开放后，国家对水彩艺术日益重视。1986年以后，它从原来的综合展览中独立出来，作为独立画种每四年举办一次全国性大展，福建、厦门也都相应成立了水彩画会，后来中国美协也专门成立了水彩画艺委会，促进、推动了水彩画的发展，水彩画家有很多参展的机会，舞台大了，喜欢水彩画的人也越来越多了。
郑起妙 |《晃朗》| 54×70cm | 1995年 (入选第三届全国水彩/粉画展)
最早接触水彩画是什么时候？
最早接触是1952年考进鼓浪屿鹭潮美术学校之后，水彩作为一门基础课程，以前甚至连什么叫水彩颜料、水彩盒都不知道。之前我还在永春的时候，因为我三哥是上海美专的，他画油画，有一次我就从他那里偷挖了几种颜料出来，跟几个同学用水去调，哈哈，结果当然是调不开。
到了鹭潮后，当时也没有水彩盒，就买了那种小学生用的很小的文具盒，拿到街上让补锅匠焊格子刷上白漆成了水彩盒。颜料只有那么一点点，就像宾馆里面那种小牙膏，而且买不到几种，也没有水彩纸。水彩的课程有两年时间，每周一两次课，教我们水彩的老师是李其铮。一直到1981、82年我回到艺校当老师，还是用废的感光相纸（背面）来作为水彩纸画画。
记得有一次我在旧书摊上看到一张水彩画，现在回想起来应该是日本人画的，跟李老师画的不太一样，那张画采用平涂、勾线，颜色比较单纯强烈，显得那么的鲜亮。我看了之后激动地马上跑到福州路，依样画葫芦地写生，大红大绿。这也说明我当时对色彩总的来说还是喜欢鲜亮的。
郑起妙 |《辉泽》| 56×76cm |
2015年
李其铮老师对您在水彩艺术上的影响？
那时候我们对水彩也谈不上有很多认识，看李老师的画感到很好看。李老师早年在外国跟西方人学水彩，注重色彩，注重光色关系。看到我们一开始画得黑乎乎的就摇头，引导我们用色彩来画，要画得亮丽才好看，感恩李老师的启蒙。再加上鼓浪屿这种明快、鲜明、透亮的自然环境，这对我日后在水彩艺术上的发展可以说埋下了一颗种子。
经常听您提到颜文樑老师，他对您又有些怎样的影响？
在上海戏剧学院求学期间能够有幸跟颜文樑老师学**，是我的福气。颜先生教授的色彩学，对我可谓终生受益。那时候中国还没有一本专门关于色彩的书，上完我们的课以后，他的讲稿经过整理后出了一本书——《色彩琐谈》。书里面既有理论，又有他自己在实践当中点点滴滴的体会，这些点滴体会让我们印象最深刻。比如他说，你们有没有观察到香烟点燃后烟的颜色，原来是青色的，吐出来的烟似浊黄色。还比如说黄昏时烧稻草起的烟，受到黄昏光线的影响，跟清晨炊烟色彩就不一样。所以说他用自己的实践体会教我们注意观察色彩，他上的课很生动，很自由浪漫。
颜先生在绘画上追求真善美，就是实实在在的，写实的，但绘画性很强。这种写实不是素描的写实，之前古典派画家的写实多数是以素描的黑白灰为主，然后再罩一点颜色，而颜先生是用色彩去写实，通过色相、冷暖这些东西。颜先生说，解放前他的画色彩比较灰，因为心情不快乐，解放后，我的心情好起来了，随着心境的开朗，画面也跟着明亮起来，“画画是为了快乐”。北京颐和园的玉带桥，他解放前和解放后都画过，色彩就明显不同，所以这点对我们很有影响，就如国画里的“笔墨当随时代”，色彩也应随时代。
郑起妙 |《深沪》| 39×54cm | 1984年
“色彩当随时代”，就是说要在绘画中表现画者当下的感受？
颜文樑先生有幅画，画的是西湖断桥，桥身和倒影暖洋洋的，他并不是要去歌颂什么，而是当下的心情确实感受到了眼前的那种美。应该说这牵涉到两个方面，一个是客观对象，一个是画家当下的心情。比如“枯藤老树昏鸦”，好像很衰败，但是你如果换了另外一种心境去看待，老树可能就具有了生命力，那么画的时候就不会画得朽弱。色彩也一样，比方说今天虽然没有太阳，但你内心对眼前的景物感到充满愉悦，画出来的色彩就显得亮丽，舒朗，所以往往是后者也就是心态来的更重要。
郑起妙 |《巷深》| 54×74cm | 2005年
除了跟画者个人当下的心态紧密相关外，是否也跟每个时代的审美情趣有关？像汉唐的华贵从容、盛世气派，明代的文人气息，代表着时代的一种气质面貌。
肯定有关系，这里很重要的一点就是时代精神。所谓时代精神我讲个例子，改革开发前，画毛主席，工农兵，都是满脸红彤彤的，画街道、建筑，柱子全部刷红的，红旗飘飘，到处都是红的，你说鲜亮不鲜亮，很鲜很红，在那个狂热的年代，大家的心态就是那样，要建立一个红彤彤的新世界。油画家汤小铭当时画《鲁迅在病中》，送去参加全国展览，军代表来审查，他说你怎么把鲁迅的脸画得发青，离开的时候特地交代工作人员，要求把展览厅里所有画的人物脸都画得红一些。这就是那个时代。改革开放以后，整个国家、社会、人们的面貌都发生了变化，正常了，画画变得鲜亮，同样是画红色，但那跟**的“红”完全不同了，而是实实在在的，反映的是人的真实心态。
郑起妙 |《十月》| 54×77cm |
1996年
您在鼓浪屿工作生活了几十年，也画了不少有关题材的作品，这个小岛对您作品风格的形成应该有很大影响。
鼓浪屿可以说是大自然给我的恩赐。为什么这么讲，1957年我曾经画了一幅画，题为《河清有日》，画的是上海的苏州河，那时候的苏州河，工厂里排放出来的污水把河搞的黑乎乎的，我就想什么时候河水可以变清澈。当时还没有环境污染的概念，现在就不一样了。
2004年于鼓浪屿写生
到了鼓浪屿，就跟苏州河那种环境完全不同了，整个小岛依然非常的葱翠。我记得50年代在八卦楼时，下一阵雨，从坡上流到沟里的水干干净净。鼓浪屿这种亚热带风光，包括人文、建筑，都给我提供了很多素材，开门出去就是红色屋顶的房子，绿的树，蓝的天，这是环境给我带来的一种美的感受，如何去画好它？这就让我在色彩上用一种比较浓烈、亮丽、对比比较强的画法去表现，我的几幅在全国比较有影响的画，都是画鼓浪屿的。
您的水彩画作品中，有些看起来似乎并不完全遵循西方绘画里的焦点透视，而是带有中国画里的散点透视，为了画面的需要，可以把看不见的东西组织进来。
中国画的表现方法里面有很多是值得我们学**借鉴的。按照平常的透视规律，近景清楚，远处的就要灰一些，虚一些，在我的画里，中景也可以画得很清楚、鲜亮，景物的组织也可以“移山填海”，这就是借鉴了中国画的表现。当然大的方面的还是遵循西方的透视规律，再结合中国画“散点透视”的一些方法。
我们写生的时候，因为受到视线的限制，你不能把远处的东西画得高起来，因为确实看不见，该低还是要低，但是你可以用色彩，用对比去突出它，把中景作为主体来画也可以，远的，甚至更远的都可以。国画里就很多，比如宋朝的山水画，马远的画就是远处的山头很清楚，这些都是我经常学的，根据你的“立意”需要来画。
郑起妙 |《群翠》| 56×76cm |
2015年
谈到写生，这就离不开观察，您认为写生当中观察方法的要点是？
西方从印象画派开始注重写生，这是一个革命，把画家从画室里带出来，到外面进入大自然。我的体会是，东方的写生更重要的一点是强调感受，通过眼睛看，然后通过心去感受，再通过脑规划设计，要怎么画，最后是手，包括使用什么笔，这四个步骤里面最关键的还是心（感受），这就跟每个人的阅历、修养，甚至包括当时的身体状态、心情有关系。
写生其实最重要的并不在于素材收集，重要的还是去感受。写生时可能会看到的东西都想画，会比较杂，所以有时候写生回来会再进行二次创作，可能舍弃的东西更多，突出感受最深的部分。但是如果不写生的话，凭借印象去画，就要避免空洞和概念化。
郑起妙 |《嘉树》| 54×78cm |
2008年
在水彩画中，形与色彩是怎样的关系？
一个物体必然有形状，形是客观的东西。但是吴昌硕说，形是次要的，主要是“气”，以“气”为先。比如你画梅花，梅花的精神气最重要，画山，山与山之间那种流动的气，比你画的是黄山还是太姥山更重要，所以“形”是为了表现“气”。上课的时候，比如画一个杯子，这个杯子多大，它的厚薄等等，这些是客观规律的东西，要学，但是到了创作的时候，这个杯子你可以画胖一点瘦一点，甚至不一定是垂直的，可以“歪正”，就不是求“像”了，主要是服从你的画面需要，你的想法，关键是要形式美。去年我到美国，看了很多罗丹的作品，那种造型写实功底非常好，后来又看了贾科梅蒂的雕塑，瘦瘦的像骨架一样，在逆光下面看，那种形式感太美了，艺术性更强，这种可能一开始不太被人接受，后来慢慢就被接受了。
水彩画的功能，一开始是由于战争的需要，像画地图一样，叫做图形，后来随着新兴资产主义的发展，有些贵妇人她没办法到国外去领略，当时还没有相机，就请人用水彩画出来，那就要求要画得像，画得准确，相机发明后，就不用再画得那么具体，那么像了。所以水彩画的发展也是经历了一个从写实到写意、抽象的过程，由追求“像”到追求形式美，正如从讲故事到诗歌。对于水彩画，我们认为色彩是最为重要的。
2014年于美国爱荷华州
就色彩来说，您认为是先天的感觉或者是后天的训练更重要？
每个人对色彩的感受不一样，一方面是你能不能感觉出来，这就是先天的东西，另一个是感觉出来后能不能表现出来，这就需要后天的技巧和训练，所以两者都不可或缺。但如果说一个画家他能够达到一个怎样的高度，先天的因素，各方面的修养就非常重要了，用功的画家全世界太多了。我看黄宾虹的画，早期画得实实在在的，到了后期就大不一样了，所以说50岁之前的黄宾虹是“一章”美术史，到了七、八十岁时就是“一本”厚厚的美术史。
2013年与画友下乡写生
您在水彩画上的这种鲜明的风格是如何形成的？
其实我也不算很刻意地去追求个人绘画风格，应该说属于自然而然，水到渠成。它是随着自己对绘画、艺术的不断认识，从注重自然规律慢慢的进入到更主观的精神世界。原来比较注重自然状态，比较写实客观的，慢慢意识到应该有更多自己的主观想法，情感的抒发。当然这个转变并不是突然的，总的来说还是因为我个人比较推崇写意的东西，东方文化里的“意”。
郑起妙 |《百合》| 54×60cm |
2004年
除了画画之外，平常更多的会做些什么？
好像我自己也不算是那种特别努力的人。平常就是喜欢到室外写生，有两个好处，一个是可以亲近大自然，感受自然的美，感受鲜活，另一方面，我喜欢跟年轻人一起出去画，热热闹闹的，他们生龙活虎，感觉自己也变年轻了。
水彩传入中国至今经历了一百多年的发展，总体上是否已经具备了自己的风格？
水彩因为它的特性是用水去调颜料，从材料到绘画的方法跟中国画有很多相似的地方，所以传入中国后就很容易被接受，生根开花结果。在当今世界水彩画坛里，中国水彩画展现了自己的学术高度和中国文化特色。前几天，我去参加《百年华彩——中国水彩艺术研究展》和研讨会，与会画家认为要彰显“中国水彩”的时代精神，文化内涵与多彩风貌，任重而道远，大家充满了希望和信心。
郑起妙 |《解语》| 54×70cm |
1999年